Por Flavia Tomaello, https://flaviatomaello.blog/, Instagram @flavia.tomaello
45 diseñadores de más de 20 países se presentan en la histórica exhibición Africa Fashion, celebrando la irresistible creatividad, el ingenio y el imparable impacto mundial de la moda africana contemporánea. La exhibición es la más extensa del Reino Unido hasta la fecha, y celebra la vitalidad y la innovación de esta escena vibrante, tan dinámica y variada como el continente mismo.
Se exhiben más de 250 objetos para la exposición, aproximadamente la mitad de ellos extraídos de la colección del museo, incluidas 70 nuevas adquisiciones. Muchas de las prendas expuestas pertenecen a los archivos personales de una selección de icónicos diseñadores africanos de mediados del siglo XX: Shade Thomas-Fahm, Chris Seydou, Kofi Ansah y Alphadi, lo que marca la primera vez que su trabajo se mostrará en un museo de Londres. La exposición también celebra a influyentes creativos de la moda africana contemporánea, incluidos Imane Ayissi, IAMISIGO, Moshions, Thebe Magugu y Sindiso Khumalo. Africa Fashion muestra estos objetos y las historias detrás de ellos junto con las opiniones personales de los diseñadores, junto con bocetos, editoriales, fotografías, películas y secuencias de pasarela.
Las nuevas adquisiciones que destacan las tendencias de moda del día de todo el continente, junto con testimonios personales, textiles y fotografías, se exhiben por primera vez. Los objetos destacados incluyen fotografías de 10 familias que respondieron al llamado público, un vestido Alphadi de algodón y latón obsequiado al museo por el diseñador y una nueva pieza diseñada específicamente para la exhibición por Maison ArtC.
La Dra. Christine Checinska, curadora sénior de African and African Diaspora: Textiles and Fashion, dijo: Nuestro principio rector para Africa Fashion es poner en primer plano las voces y perspectivas africanas individuales. La exposición presenta la moda africana como una forma de arte autodefinida que revela la riqueza y diversidad de las historias y culturas africanas. Mostrar todas las modas en una región tan vasta sería intentar lo imposible. En cambio, Africa Fashion celebra la vitalidad y la innovación de una selección de creativos de moda, explorando el trabajo de vanguardia en el siglo XX y los creativos en el corazón de esta escena ecléctica y cosmopolita de hoy. Esperamos que esta exhibición provoque una renegociación de la geografía de la moda y se convierta en un cambio de juego para el campo.
Comenzando con la independencia africana y los años de liberación que provocaron un reordenamiento político y social radical en todo el continente, la exposición busca explorar cómo la moda, junto con la música y las artes visuales, formaron una parte clave del renacimiento cultural de África, sentando las bases para la actualidad. revolución de la moda. A través de alta costura contemporánea, prêt-à-porter, hecho a medida y adornos, la exposición también busca ofrecer una mirada de cerca a la nueva generación de diseñadores, colectivos, estilistas y fotógrafos de moda innovadores que trabajan en África hoy en día. Explora cómo el mundo digital aceleró la expansión de la industria, transformando irreversiblemente las modas globales tal como las conocemos. Desde las semanas mundiales de la moda hasta los usuarios famosos y el papel de las redes sociales, Africa Fashion celebra y defiende la diversidad y el ingenio de la escena de la moda del continente.
La exposición forma parte de un compromiso más amplio y continuo de V&A para hacer crecer la colección permanente del museo de obras de diseñadores africanos y de la diáspora africana, trabajando en colaboración para contar nuevas historias sobre la riqueza y diversidad de la creatividad, las culturas y las historias africanas, utilizando la moda como un catalizador.
La exposición va acompañada de un programa público más amplio centrado en la moda africana, que incluye conversaciones y charlas, eventos de aprendizaje, actuaciones musicales y eventos en vivo gratuitos.
Omoyemi Akerele, Fundador y Director, Semana de la Moda de Lagos y Style House Files dijo: La moda africana es algo que ha existido desde siempre, algo que ha sido parte de nosotros. La moda africana es el futuro. La moda africana es ahora. No se trata solo de diseñadores, hay todo un ecosistema de modelos, maquilladores, fotógrafos, ilustradores: imagina dar vida al trabajo de todos temporada tras temporada. Moda creada por nuestra gente para nuestra gente y en beneficio del crecimiento y desarrollo de nuestra economía. Esta exhibición es importante porque por primera vez la moda del continente será vista desde una perspectiva diversa que abarca siglos.
Thebe Magugu, diseñadora de ropa de mujer, dijo: Siento que hay tantas facetas de lo que hemos atravesado como continente, que la gente en realidad no entiende. Ahora más que nunca, los diseñadores africanos se están haciendo cargo de su propia narrativa y le cuentan a la gente historias auténticas, no las utopías imaginadas.
Artsi, Diseñadora de Moda, Maison ArtC dijo: Africa Fashion significa el pasado, el futuro y el presente al mismo tiempo. La alegría de vivir y la alegría del color es completamente distinta y muy particular del continente. Es un lenguaje de herencia, es un lenguaje de ADN, es un lenguaje de recuerdos.
La exposición comienza con un conjunto contemporáneo que combina seda brillante con capas exuberantes de rafia de Imane Ayissi. Nacido en Camerún, el modisto se encuentra en la encrucijada entre los sistemas de la moda, uniendo los períodos histórico y contemporáneo, el África continental y global, la artesanía artesanal y la alta costura. Este conjunto presenta la idea de que las modas africanas están más allá de la definición y que los creativos pueden elegir y eligen sus propios caminos.
La planta baja de la exposición continúa con una sección del Renacimiento Cultural Africano que se centra en los años de la liberación africana desde mediados de la década de 1950 hasta 1994. El reordenamiento político y social que tuvo lugar impulsó un largo período de creatividad ilimitada en la moda, la música y las artes visuales En exhibición hay carteles de protesta, publicaciones y registros que encarnan esta era de cambio radical. Las primeras publicaciones de los miembros del Mbari Club, establecido para escritores, artistas y músicos africanos, se encuentran junto a la portada de Beasts of No Nation de Fela Kuti, un álbum de llamado a las armas que encarna el sentimiento comunitario de frustración con la política. de la época, sino también la energía de la creatividad de África y el impulso de sus artistas para crear cosas hermosas.
Política y poética del paño considera la importancia del paño en muchos países africanos y la forma en que la confección y el uso de los paños indígenas en el momento de la independencia se convirtió en un acto político estratégico. Se mostrarán estampados de cera, tela conmemorativa, àdìrẹ kente y bògòlanfini, fragmentos de una rica historia textil que incluye miles de técnicas de todo el continente. Los objetos destacados incluyen una tira de algodón seersucker estampado de la colección V&A con la imagen de una palma abierta y las palabras ‘libertad en mi mano que traigo’ que incorpora la insignia de Ghana recientemente independiente, una expresión visible de las preocupaciones de la comunidad, así como nacional, y identidades individuales. También se exhibe una tela conmemorativa hecha a principios de la década de 1990 luego de la liberación de Nelson Mandela, que presenta un retrato del que pronto será el primer presidente negro de Sudáfrica y las palabras «UNA MEJOR VIDA PARA TODOS: TRABAJANDO JUNTOS POR EMPLEO, PAZ Y LIBERTAD’.
Shade Thomas-Fahm (n. 1933), Chris Seydou (1949-1994), Kofi Ansah (1951-2014), Alphadi (n. 1957), Naïma Bennis (1940-2008) y sus compañeros representan la primera generación de diseñadores africanos llamar la atención en todo el continente y en todo el mundo. Marcando el primer momento en el que su trabajo se muestra en un museo de Londres, la siguiente sección, The Vanguard, rastrea su ascenso e impacto, su proceso creativo y sus inspiraciones, traídas a la vida por historias reales de aquellos que amaron y usaron sus diseños distintivos. . Los aspectos más destacados incluyen una nueva imagen del ìró nigeriano tradicional de Shade Thomas-Fahm, conocido como «el primer diseñador de moda de Nigeria». Junto a él habrá un vestido de seda y lurex de 1983 de Chris Seydou, conocido por promover textiles indígenas africanos como el bògòlanfini en el escenario mundial. La fusión icónica de la estética africana y europea del diseñador de moda ghanés Kofi Ansah estará representada en una túnica azul con rastros del kimono japonés, la túnica del juez europeo y la túnica agbádá de África occidental. La innovación de Alphadi, descrito como el ‘Mago del desierto’, se muestra con un vestido de algodón y latón de 1988, obsequiado al museo por el diseñador.
Capturing Change se centra en retratos fotográficos de mediados del siglo XX, capturando el estado de ánimo de las naciones al borde del autogobierno: cada toma documenta la modernidad, el cosmopolitismo y la conciencia de la moda de las personas con voluntad y deseo de usarla. La euforia de la descolonización coincidió con la democratización de la fotografía que fue posible gracias a películas más baratas y cámaras más ligeras. Los retratos fotográficos tomados en estudios y espacios domésticos se convirtieron en afirmaciones de agencia y autorrepresentación, haciendo visible el orgullo de ser negro y africano. Los puntos destacados de esta sección incluyen fotografías de estudio de Sanlé Sory, Michel Papami Kameni y Rachidi Bissiriou. Los elegantes retratos en color de James Barnor también se encuentran junto a la fotografía doméstica de 10 familias obtenidas de la convocatoria pública de V&A en enero de 2021.
En el entrepiso de la exposición, se celebra la nueva generación de diseñadores, colectivos, estilistas y fotógrafos de moda innovadores que trabajan en África hoy en día. Una nueva pieza diseñada específicamente para la exposición, ‘Un diálogo entre culturas’, de Maison ArtC presenta este piso.
Una primera sección sobre minimalismo presenta un look de la casa de moda ruandesa Moshions, conocida por reinventar formas y motivos culturales tradicionales de Ruanda en piezas contemporáneas. Rindiendo homenaje a la vestimenta ceremonial usada históricamente por la realeza de Ruanda, el look de ropa masculina en exhibición hace referencia al tradicional Umwitero, una faja que cubre el hombro, así como también abalorios y bordados inspirados en la estética de Imigongo.
Mixology presenta un conjunto de la colección Primavera/Verano 2019 de IAMISIGO, ‘Gods of the Wilderness’, que hace referencia a los antiguos disfraces de disfraces de África occidental. Para esta colección, el diseñador Bubu Ogisi se inspiró en el arte escénico abstracto tradicional de África occidental y en la identidad visual única y las tradiciones de adorno que han sido creadas por diferentes grupos culturales individuales.
Artisanal presenta un conjunto azul y blanco de DAKALA CLOTH de NKWO, que trabaja con pequeños artesanos en todo el continente africano que se especializan en artesanías como teñido a mano, tejido, abalorios y bordado. NKWO explora formas de usar materiales de desecho en sus diseños mientras conserva las habilidades artesanales textiles tradicionales. DAKALA CLOTH, hecho de tela de desecho, se pela y luego se vuelve a coser con una técnica que le da la apariencia de tela tejida tradicional.
Afrotopia presenta un estilo de la colección Alchemy de Thebe Magugu que se centra en la espiritualidad africana y la relación que tenemos con nuestros antepasados. El diseñador colaboró con Noentla Khumalo, estilista y curandera tradicional, en la colección. Al lado hay un look de Selly Raby Kane, que se inspira en el afrofuturismo.
En Sartorialists, el autorretrato del diseñador de vestuario, estilista y fotógrafo Gouled Ahmed se rebela contra las normas culturales, mezclando prendas texturizadas del Cuerno de África con materiales cotidianos contemporáneos para jugar con las nociones de identidad. El trabajo de Ahmed desafía la falta de matices en las representaciones de los musulmanes negros no binarios.
En Adornment, un collar hecho de latón, sisal y sal de bórax de la colección ‘Salt of the Earth’ de Ami Doshi Shah examina las propiedades talismánicas de la joyería y la capacidad narrativa de los materiales extraídos de la naturaleza.
Co-Creation destaca los giros personalizados y contemporáneos de la tradición con trajes hechos a medida encargados para la boda de Lady Ashely Shaw-Scott Adjaye y Sir David Adjaye OBE por Kofi Ansah. En el transcurso de cuatro citas en su taller en Accra, Ansah y la pareja discutieron todos los aspectos de los diseños, hechos con tela kente Ashanti Bonwire de la extensa colección del diseñador. Posteriormente, la pareja fue fotografiada para la revista británica Vogue luciendo sus diseños de Kofi Ansah.