Por Flavia Tomaello, https://flaviatomaello.blog/, Instagram @flavia.tomaello
El V&A anuncia la apertura del Museo V&A East, diseñado por los arquitectos O’Donnell + Tuomey, en East Bank, en el Parque Olímpico Reina Isabel, el sábado 18 de abril de 2026. Creado en colaboración con jóvenes, creativos y residentes, trabajadores y estudiantes del este de Londres, el Museo V&A East celebra el poder transformador de la creación y la creatividad en todo el mundo. El museo incluye galerías que exploran la razón de ser de las exposiciones, encargos creativos y eventos que destacan a las personas, las ideas y la creatividad que dan forma a la cultura global actual, además de una cafetería de Jikoni, fruto de una interesante colaboración con el grupo de restaurantes conocido por su filosofía de «cocina sin fronteras».
Impulsado por la creatividad del este de Londres, el Museo V&A East reúne los mundos del arte, el diseño, la moda, la música y las artes escénicas en un nuevo espacio de cinco plantas junto a East Bank Partners, London College of Fashion, UAL, la BBC, Sadler’s Wells East y UCL East. El Museo V&A East es el espacio hermano del aclamado V&A East Storehouse, inaugurado en mayo de 2025.
Gus Casely-Hayford, director del V&A East, declaró: “En el mundo actual, donde afrontamos desafíos que van desde la crisis climática hasta la creciente polarización, los museos y las industrias creativas desempeñan un papel fundamental a la hora de unir a las personas, celebrar las comunidades, fomentar el diálogo y destacar las múltiples maneras en que artistas, diseñadores y creadores de todo el mundo utilizan su creatividad para transformar el mundo para mejor. Hemos creado el Museo V&A East con y para nuestro público, como un espacio acogedor para todos, integrado en el este de Londres y con una perspectiva global, que refleja el multiculturalismo de este increíble lugar, epicentro de la creatividad durante siglos. El Museo V&A East es para ti; espero que encuentres alegría, algo que te identifique y un sentimiento de pertenencia en cuanto cruces la puerta”.
Jen McLachlan, directora del proyecto V&A East, declaró: “Nos enorgullece ver al Museo V&A East integrarse en el dinámico paisaje de East Bank, en el Parque Olímpico Reina Isabel. Nuestro diseño se basa en la idea de apertura: un edificio que acoge a su comunidad, celebra la creatividad y propicia el intercambio entre el arte, las personas y el lugar. No es solo un museo, sino un espacio cívico para el diálogo, el descubrimiento y la experiencia compartida”.
Con motivo de su inauguración, el Museo V&A East presentará un nuevo programa rotativo de encargos creativos con una periodicidad semestral. Ocho nuevas obras de arte de Tania Bruguera, Es Devlin, Lawrence Lek, el artista nominado al Premio Turner, René Matić, Shahed Saleem, Justinien Tribillon, Carrie Mae Weems y Laura Wilson se exhibirán en las dos sedes del V&A East: el Museo V&A East y el Storehouse. Cada obra dialoga con la historia y el futuro de la creatividad en el este de Londres. Una nueva obra monumental de Thomas J Price, «A Place Beyond», dará la bienvenida a los visitantes del Museo V&A East en su inauguración.
Primera exposición: «The Music Is Black: A British Story»
El 18 de abril de 2026, el Museo V&A East inaugurará su primera exposición emblemática, «The Music is Black: A British Story», con una experiencia sonora de Sennheiser. La exposición, que abarca desde 1900 hasta la actualidad, revela cómo la música negra británica ha moldeado la cultura británica —y su impacto global— para contar una historia largamente esperada de excelencia, lucha, resiliencia y alegría de la comunidad negra. La guitarra de la infancia de Joan Armatrading se exhibe por primera vez, junto con prendas de la época de Little Simz y fotografías recientemente adquiridas de artistas como Jennie Baptiste, Beezer, Dennis Morris, Eddie Otchere, Sam White y otros.
Coincidiendo con la exposición, V&A East lanzará una importante colaboración con BBC Music, que incluirá programación complementaria inspirada en ella. V&A East también colaborará con sus socios de East Bank: London College of Fashion, UAL, la BBC, Sadler’s Wells East y UCL East, en un nuevo festival anual que celebra la creatividad, la colaboración y la comunidad. La primera edición, que se inaugurará en la primavera de 2026, es el Festival Music is Black, que tendrá lugar en East Bank, en el Parque Olímpico Reina Isabel.
Galerías Why We Make
En dos plantas y bajo diez temas clave, más de 500 objetos de las colecciones del V&A, que abarcan arte, arquitectura, diseño, performance y moda, se exhiben en las nuevas galerías Why We Make, diseñadas por JA Projects. Con un diseño inspirado en el este de Londres y en colaboración con el V&A East Youth Collective, las galerías ofrecen una nueva perspectiva de la cultura contemporánea a través de las colecciones del V&A, con citas inspiradoras de creadores de todo el mundo. Los objetos se agrupan en constelaciones que abarcan diferentes épocas, culturas y países, y que abordan temas de actualidad importantes para nuestro público: desde la representación, la identidad y el bienestar hasta la justicia social y la acción medioambiental.
Las exposiciones destacan una serie de adquisiciones recientes, desde el trabajo de diseño humanitario de Yasmeen Lari y la Fundación del Patrimonio de Pakistán hasta maquetas arquitectónicas de Assemble y el Instituto Himalayo de Alternativas de Ladakh; desde las fotografías de la estación de autobuses de Preston de Jamie Hawkesworth y las cerámicas escultóricas de Bisila Noha hasta una de las primeras obras de Yinka Ilori, su sillón «Capitán Garfio» (2015), inspirado en un amigo de la escuela y una parábola yoruba sobre el destino y la importancia de no juzgar a los demás. También se exhibe un conjunto del artista irlandés Richard Malone, afincado en el este de Londres, y un atuendo de la reciente colaboración de moda de Lazy Oaf con el creativo King Owusu, cuyas ilustraciones lúdicas exploran el carácter terapéutico de la jardinería. Asimismo, se presentan prendas del estudio de diseño vanguardista y activistas por la moda sostenible VIN + OMI, incluyendo ecotextiles elaborados con ortigas.
Desde el este de Londres, las exposiciones también destacan comunidades e iniciativas locales de creación, con fanzines del colectivo editorial colaborativo One of My Kind, fundadores de Rabbits Road Press en la biblioteca de Old Manor Park, y una camiseta del Walthamstow F.C. de 2023 diseñada por Wood Street Walls, en colaboración con Admiral y la galería William Morris, utilizando un estampado del primer aprendiz de William Morris, John Henry Dearle. Las galerías presentan una serie de proyectos coproducidos con residentes, artistas y creativos del este de Londres, inspirados en la colección del V&A, incluyendo exposiciones de la artista y diseñadora Sahra Hersi, y del fotógrafo Tom Hunter, afincado en Hackney, en colaboración con el V&A East Youth Collective.
Entre los aspectos más destacados se incluyen:
«Nuestro lugar en el mundo» explora cómo construimos nuestro lugar en el mundo a través de la visualización, desde la moda hasta el retrato, la fotografía y más allá. Entre las obras que se analizarán se encuentran:
La impresión fotográfica de Maud Sulter, «Urania (retrato de Lubaina Himid)», de la serie Zabat, 1988, creada para desafiar la exclusión y las representaciones coloniales de las mujeres negras en la historia del arte europeo.
Imágenes de las ilustraciones de fotomontaje de Claude Cahun, pertenecientes a su ensayo autobiográfico y manifiesto sobre el amor queer, Aveux non Avenus (Confesiones negadas), 1930.
Una copia de un autorretrato de la pintora italiana Sofonisba Anguissola (1530-1620), quien utilizó el autorretrato para afirmar su identidad como mujer artista en una profesión entonces dominada por hombres. Una túnica usada por un sacerdote taoísta, entre 1800 y 1900, basada en la antigua filosofía china del universo. El símbolo del yin-yang representa la creencia de que todos los fenómenos naturales, desde las estaciones hasta el día y la noche, se rigen por un equilibrio de fuerzas opuestas pero interconectadas.
El vestido Daria, recientemente adquirido por Molly Goddard, es de 2020. Creado para desafiar los estereotipos de la feminidad y permitir diferentes formas de autoexpresión, Beyoncé lo lució en su película de 2020, Black is King.
«Rompiendo Fronteras» revela cómo la creación puede desafiar las normas y presenta a los creativos pioneros que han impulsado sus disciplinas hacia nuevas direcciones —a menudo inspirándose en sus experiencias personales— para ayudar a derribar las barreras de género, raza y clase. Entre las obras que se analizarán se incluyen:
Un vestido del siglo XVII de la diseñadora textil Anna Maria Garthwaite, quien se mudó al este de Londres en 1730 para establecerse en el distrito de tejido de seda de Spitalfields. Autodidacta, Garthwaite fue una de las pocas mujeres diseñadoras que alcanzó el éxito comercial en una industria dominada por hombres.
La tela para tapicería Golden Harvest de Althea McNish, de 1959. Creada en su estudio de Tottenham, McNish se inspiró en su herencia afrocaribeña y en su característico uso vibrante del color y los estampados para crear este diseño, que se convirtió en el más vendido de Hull Traders Ltd. La maqueta de Derek Jarman para Don Giovanni en la Ópera Sadler’s Wells, 1968, revolucionó la escenografía contemporánea con audaces formas geométricas abstractas, escandalizando a la crítica de la época.
El vestuario de ballet de Leigh Bowery y Mr. Pearl para Because We Must de la Michael Clark Company, 1987. El artista y activista Bowery diseñó estos provocativos conjuntos, que evocaban atuendos fetichistas y eróticos, para el revolucionario ballet del coreógrafo escocés.
El conjunto Cut, Slash & Pull de Vivienne Westwood, Otoño/Invierno 1990. Westwood fusionó tradición y provocación en este conjunto, reinterpretando la sastrería inglesa histórica y llevando al extremo detalles como cortes y deshilachados.
«Cuidándonos» explora la profunda conexión entre la creación y el cuidado; desde lo terapéutico hasta lo protector, el diseño y el uso ritual de objetos pueden empoderar la mente y el cuerpo. Entre las obras que se analizarán se incluyen:
Dos fotografías de la serie «Narrativas de la enfermedad» de Jo Spence, de 1989. A través de esta serie, en colaboración con el Dr. Tim Sheard, Spence utilizó la fototerapia para procesar el trauma que experimentó a causa del cáncer de mama.
Se exhiben objetos de protección portátiles, como pomanders ornamentales europeos del siglo XVI (estuches para perfumes), que se creía que alejaban las enfermedades, y collares de coral y estuches para amuletos del siglo XVIII procedentes del Tíbet y el norte de la India, para repeler el mal. Junto a estos objetos se muestran prendas contemporáneas, desde el rosario electrónico hasta el primer diseño de Fitbit.
Un grabado de principios del siglo XIX del Victoria Park, en el este de Londres, el primer parque público de la ciudad, creado tras una popular campaña ciudadana de William Carr para crear un espacio verde que ofreciera aire fresco, descanso y ocio para todos los habitantes de la capital.
Un raro muestrario de 1830 realizado por Elizabeth Parker, de 17 años. Las letras bordadas a mano ofrecen un relato detallado de sus difíciles experiencias como sirvienta, utilizando el acto de bordar su propio mensaje como herramienta para procesarlas. El sillón Paimio de Alvar Aalto (1932-1935), creado para el Sanatorio de Paimio en Finlandia, un centro para pacientes en recuperación de tuberculosis, que diseñó junto a su esposa, Aino.
Otros temas de la galería incluyen «Tejiendo historias», «Construyendo comunidades creativas», «Revelando un mundo en constante cambio», «Empoderando a través del diseño», «Repensando los sistemas», «Reimaginando las tradiciones» y «Expresando la disidencia».
